QUEEN OF KEKELAND

une boule de neige pour un si beau jour de printemps !

Fri, 18 Apr 2008 20:22:54 GMT

Mettre le lien de la personne qui vous a tagué : jeanne
- Mettre le règlement sur votre blog : le voilà

- Mentionnez six choses, habitudes, tics non importants sur vous-même : on y viendra

- Taguez six personnes à la fin de votre billet en mettant leur lien. : ça va pas être évident mais on va faire un effort !
- Avertir directement sur leur blog les personnes taguées : je vais m'y tenir contrairement à la personne nommée ci-dessus ! ;)

1-Malgré le prix ô combien élevée de la viande dans ce pays et non pas grâce à mes colacatrices végétarienne(2 déjà au compteur de mon expérience de colocation, dont l'actuelle ! ), j'aime la viande nom d'un saucisson !

2- figurez vous que j'ai prie quelques habitudes langagières propre à ce département du Nord comme "du coup" (trés fréquent), "je te dis quoi", "je suis zahaf" (traduction : je suis plutot désapointée ) et d'autres encore que vous découvrirez de vive voix !

3- j'adore dormir :

4-quand je m'embête, quand j'ai quelque chose qu me turlupine, qui me fascine, je dessine :

5-euh, j'aime aussi beaucoup la musique ! dernièrement je me suis laissée influencer par les goûts de Fethi par exemple If i ever feel better de Phoenix, les paroles sont belles, je vous les mets ! Saviez vous que Phoenix et Daft Punk ont des musiciens en commun !!! c'est complètement fou !

They say an end can be a start
Feels like I've been buried yet I'm still alive
It's like a bad day that never ends
I feel the chaos around me
A thing I don't try to deny
I'd better learn to accept that
There are things in my life that I can't control

They say love ain't nothing but a sore
I don't even know what love is
Too many tears have had to fall
Don't you know I'm so tired of it all
I have known terror dizzy spells
Finding out the secrets words won't tell
Whatever it is it can't be named
There's a part of my world that' s fading away
You know I don't want to be clever
To be brilliant or superior
True like ice, true like fire
Now I know that a breeze can blow me away
Now I know there's much more dignity
In defeat than in the brightest victory
I'm losing my balance on the tight rope
Tell me please, tell me please, tell me please...

If I ever feel better
Remind me to spend some good time with you
You can give me your number
When it's all over I'll let you know

Hang on to the good days
I can lean on my friends
They help me going through hard times
But I'm feeding the enemy
I'm in league with the foe
Blame me for what's happening
I can't try, I can't try, I can't try...
No one knows the hard times I went through
If happiness came I miss the call
The stormy days ain't over
I've tried and lost know I think that I pay the cost
Now I've watched all my castles fall
They were made of dust, after all
Someday all this mess will make me laugh
I can't wait, I can't wait, I can't wait...

If I ever feel better
Remind me to spend some good time with you
You can give me your number
When it's all over I'll let you know

It's like somebody took my place
I ain't even playing my own game
The rules have changed well I didn't know
There are things in my life I can't control
I feel the chaos around me
A thing I don't try to deny
I'd better learn to accept that
There's a part of my life that will go away
Dark is the night, cold is the ground
In the circular solitude of my heart
As one who strives a hill to climb
I am sure I'll come through I don't know how
They say an end can be a start
Feels like I've been buried yet I'm still alive
I'm losing my balance on the tight rope
Tell me please, tell me please, tell me please.

6- Aloors pour finir cette avalanche, voyons voir : euh

un tic peut être : je suis hermétique aux blagues pince-sans-rire.... au grand désapointement des pinces-sans rire que je fréquente et pour qui l'humour est une façon de gagner l'amitié des personnes autour d'eux.

ALLER BOULES DE NEIGES à mon Annou de cousine !! paf

à Anna!!pif

à Pauline qui en a déjà reçu mais bon !!! pouf !

à François et Seb exilés au Congo !! Puf !françois et seb blog

à ma petite cousine Manon!! puyf! !blog manon

et à Djiwom quand même pour boucler tout ça !!!! Peeeef !blog jérome

une boule de neige pour un si beau jour de printemps !

Fri, 18 Apr 2008 20:22:20 GMT

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3- j'adore dormir :

4-quand je m'embête, quand j'ai quelque chose qu me turlupine, qui me fascine, je dessine :

6- Aloors pour finir cette avalanche, voyons voir : euh

ALLER BOULES DE NEIGES à mon Annou de cousine !! paf

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à Pauline qui en a déjà reçu mais bon !!! pouf !

à François et Seb exilés au Congo !! Puf !françois et seb blog

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LE plancher de Jean, schizophrène

Fri, 07 Mar 2008 11:20:53 GMT

Le Plancher de "Jean" ou de "Jeannot", photographié par Martin d'Orgeval

posté à 20:44:31

Cette petite exposition à la maison européenne de la photo est l'occasion de découvrir deux artistes : Martin d'Orgeval le photographe, et "Jean" l'auteur d'un étonnant placher qui est le sujet de la série de photos.
Il s'agit d'un plancher gravé, percé, calligraphié par Jean, un schizophrène. A 20 ans, en 1959, Jean, fils de paysan béarnais, revient de la guerre d'Algérie pourprendre le rôle de chef de famille auprès de sa mère et de sa soeurPaule. Son père s'était pendu. La ferme était plustôt prospère, mais Jean la néglige. Il se livre en revanche àdes rondes de garde assidues, monté sur son tracteur et armé d'un fusil. Jean, Paule et leur mère ne voient plus personne et se nourrissent decueillette. En 1971, la mère meurt. Jean refuse de se séparer du corps de sa mèrz. Il obtient l'autorisation del'inhumer sous l'escalier de la maison. C'est alors que Jean finit de sombrer dans la folie. Pendant des mois,cessant de se nourrir, il passe ses journées enfermé dans sachambre, dont il grave entièrement les 16 m2 de plancher autour du lit.Il mourra d'inanition quelques mois plus tard, à l'âge de 33 ans.
Paulefinira sa vie absolument recluse et c'est à sa mort, en 1993, que le"plancher de Jean" est découvert par un antiquaire.

Le texte de Jean gravé dans le bois prend d'emblée la forme d'un réquisitoire féroce contre la religion.Son champ sémantique exprime dessentiments de culpabilité, de persécution, évoque la guerre, la mort,transpire la paranoïa et la misanthropie. Les connotations de sérénité(SANTE, FAMILLE, PAIX, SOMMEIL, INNOCENT) se heurtent à cellesd'agressivité et de haine (HITLER, CRAPULERIE, TUER, CRIMES, PROCES,DIABLE, GUERRES, MALADIES), alors que des mots forts trahissent uneconscience menacée (CERVEAU, OEIL, ABUSE, POUVOIR, TRUQUAGE,COMMANDER).

Les photos de Martin d'Orgeval qui laissent appraître la perpective des lattes de parquet (un clin d'oeil à Caillebotte ?) permet d'apréhender la précision des coups de ciseaux sur le chene (la surface gravée fait 16 m²). Les photographies représentent le parquet a une échelle proche de 1. Dépouillé de l'environnement sordide où il a été trouvé, il rappelle par la thématique religieuse les calligraphies de Lalou (ND de la roquette à paris) ou des inscriptions grecques..

Ce travail, va devenir un chef d'oeuvre d'art brut. La dimension esthétiquede ces quatre grandes pièces de bois sculpté faisant office detestament nous émeut, comme la profonde souffrance ainsi révélée, celled'un homme muré en lui-même, dans l'enfermement imposé par la maladie.Le plancher est désormais conservé à l'hôpital Sainte-Anne dont une partie de la collection d'art asilaire avait été montré au jeu de paume.

Il y parle de sa haine de la religion "LA RELIGION A INVENTE DES MACHINES A COMMANDER LE CERVEAU DES GENS ET BETES ET AVEC UNE INVENTION A VOIR NOTRE VUE A PARTIR DE RETINE DE L’IMAGE DE L OEIL ABUSE DE NOUS SANTE IDEES DE LA FAMILLE MATERIEL BIENS PENDANT SOMMEIL NOUS FONT TOUTES CRAPULERIE L EGLISE APRES AVOIR FAIT TUER LES JUIFS A HITLER A VOULU INVENT ER UN PROCES TYPE ET DIABLE AFIN PRENDRE LE POUVOIR DU MONDE ET IMPOSER LA PAIX AUX GUERRES L EGLISE A FAIT LES CRIMES ET ABUSANT DE NOUS PAR ELECTRONIQUE NOUS FAISANT CROIRE DES HISTOIRES ET PAR CE TRUQUAGE ABUSER DE NOS IDEES INNOCENTES RELIGION A PU NOUS FAIRE ACCUSER EN TRUQUANT POSTES ECOUTE OU ECRIT ET INVENTER TOUTES CHOSES QU ILS ONT VOULU ET DEPUIS 10 ANS EN ABUSANT DE NOUS PAR LEUR INVENTION A COMMANDE CERVEAU ET A VOIR NOTRE VUE A PARTIR IMAGE RETINE DE L OEIL NOUS FAIRE ACCUSER DE CE QU IL NOUS FO(NT) A NOTRE INSU CEST LA RELIGION QUI A FAIT TOUS LES CRIMES ET DEGATS ET CRAPULERIE NOUS EN A INVENTE UN PROGRAMME INCONNU ET PAR MACHINE A COMMANDER CERVEAU ET VOIR NOTRE VUE IMAGE RETINE OEIL NOUS E FAIRE ACCUSER NOUS TOUS SOMMES INNOCENT DE TOUT CRIME TORT A AUTRUI NOUS JEAN PAULE SOMMES INNOCENTS NOUS N AVONS NI TUE NI DETRUIT NI PORTE DU TORT A AUTRUI C’EST LA RELIGION QUI A INVENTE UN PROCES AVEC DES MACHINES ELECTRONIQUES A COMMANDER LE CERVEAU SOMMEIL PENSEES MALADIES BETES TRAVAIL TOUTES FONCTION DU CERVEAU NOUS FAIT ACCUSER DE CRIMES QUE NOUS NAVONS PAS COMMIS LA PREUVE LES PAPES S APPELLENT JEAN XXIII AU LIEU DE XXIV POUR MOI PAUL VI POUR PAULE L EGLISE A VOULU INVENTER UN PROCES ET COUVRIR LES MAQUIS DES VOISINS AV(EC) MACHINES A COMMANDER LE CERVEAU DU MONDE ET A VOIR LA VUE IMAGE DE L OEIL FAIT TUER LES JUIF A HITLER ONT INVENTE CRIMES DE NOTRE PROCES".

L'exposition de la MEP s'intitule "Réquisitoire". Le pr. Jean-Pierre Olié Chef de service à l'hôpital Sainte-Anne a participé à l'exposition. Un catalogue Martin d'Orgeval, Réquisitoire, a été édité aux éditions du Regard, 2007

L'île des morts d'Arnold Boeklin

Sun, 24 Feb 2008 11:01:56 GMT

Voici une nouvelle que j'ai écrite lors d'un concours de nouvelles sur table, durant une aprés-midi d'hiver. J'ai gagné le troisième prix. Je souhaiterais que vous tous me disiez sincèrement ce que vous en pensez. Elle sera publiée en 600 exemplaires par l'association Filigrane. Le thème c'était le point de non retour. Voilà.

« L’île des morts » d’Arnold Böcklin

Il y a une grande barque. Noire, comme dans les placards la nuit. Si elle n’avait pas de fond, on n’en saurait rien. Muette. Un homme vous y attend. Le soir tombe. Le soleil abandonne la terre et vous avec. Vous vous retrouvez là. Avec cet homme encapuchonné qui ne dit pas grand chose, et sa barque muette. Vous ne vous rappelez plus pourquoi vous êtes là. Près de ce lac. Enfin, cela ressemble à un lac, un endroit inconnu qui ne vous inspire rien. Il y avait un lit avant, ici ; non, pas ici, mais quelque part. Il reste un souvenir de couette chaude dans votre mémoire. Et une douleur aussi. Comme un caillou sous le pied, elle revient. Une douleur qui empêche de respirer. Elle vous effraie. Elle est partie mais l’ultime frayeur serait qu’elle revienne. Alors vous fuyez ce souvenir, superstitieusement, il pourrait bien vous faire succomber.

Du lac, la brume monte. L’homme habillé de blanc semble s’impatienter. Le lac s’assombrit, devient café. Plus de transparence, plus d’horizon. Derrière vous, ça n’est plus accessible. La porte est close en quelque sorte.

Vous vous avancez donc vers cette barque. Il vous semble, de toute façon, que vous êtes là pour elle. « C’est combien la traversée ? » voulez-vous demander. Mais il semble que les mots n’ont pas de consistance. Il lève un doigt. Vous prenez un sou dans votre poche, lui tendez. Il le prend. Le fait disparaître dans les plis de son vêtement long. Et vous montez. L’atterrissage est surprenant : la barque est plus profonde qu’elle paraissait.

L’homme l’éloigne de la berge puis saute dedans. Il brandit sa perche, l’enfonce et fait glisser la barque sur l’eau. Cette situation vous échappe. Vous vous dites que c’est un rêve. Certaines choses semblent réelles, d’autres non. La rive s’éloigne, disparaît. Il fait froid. Le batelier ne semble pas disposé à ouvrir la bouche. Il se tient à l’arrière et pousse la barque.

Longtemps vous vous taisez, vous plongez votre regard dans le noir autour de vous, songeant à autre chose. Cette traversée est une pause bienvenue. C’est apaisant, ce rien. L’aube s’en vient. Lentement vous retrouvez la vue. Les rides creusées par le bateau dans l’eau prennent du relief.

Et là, vous l’apercevez : la rive. Une île assurément. Assez curieuse. Comme une falaise à moitié écroulée. En arc de cercle. Vous apercevez l’embarcadère dans le creux du cercle. Peu de végétation, essentiellement d’immenses cyprès. Et des ouvertures creusées dans la roche. A différentes hauteurs, comme des étages. Des linteaux de pierre soutiennent ces entrées. Personne en vue. Vous entendez le bruit du vent qui passe entre les cyprès au fur et à mesure que la barque se rapproche. La batelier vêtu de blanc n’a toujours pas décroché un mot. Soudain, il vous semble que l’eau du lac est salée. Vous voyez au fond les algues vertes. De ce vert si particulier, visible uniquement sous l’eau et qui paraît fluorescent. Un oiseau s’envole, du haut de la falaise. L’air sent la terre. La barque tangue à l’approche de l’embarcadère.

Cette île semble déserte mais pourtant elle paraît habitée depuis très très longtemps. Une impression d’ancienneté, de longévitude. Peut-être ces ouvertures dans la falaise ont été creusées il y a des millénaires. Vous pensez à un temple grec, à des tombeaux égyptiens.

Ce voyage ne vous semble plus vain. Il vous semble que vous avez découvert un secret. C’est excitant. Un sombre, un vieux, un mélancolique secret qui imprime sa marque en vous.

« Marc, tu viens ? Il ne nous reste plus qu’une demi-heure pour voir le reste de l’exposition. »

Vous vous retournez à peine, vous répondez « oui, c’est vrai, on y va »

Vous vous reculez à regret du grand tableau. Vous notez le nom du peintre. Il faudra vous renseigner sur lui. Vous soupirez, les bruits des autres visiteurs s’imposent à vous.

Il y a des tableaux qui vous atteignent d’un coup. Dont la force d’évocation vous font oublier, l’espace d’un instant, que le retour à une réalité ordinaire est possible. Celui-ci est un aller simple, on n’en revient pas vraiment. Il court s’enfuir dans votre mémoire et vous ne vous lasserez jamais d’aller l’y chercher.

poésie orientale

Wed, 31 Oct 2007 09:21:10 GMT

Si j'étais oiseau,

Il faudrait aussi chanter avec ma gorge rauque

Cette terre battue par la tempête,

Ce torrent où déferle sans cesse notre révolte,

Ce vent qui n'en finit pas de souffler

Et l'aube, d'une telle douceur, qui vient des forêts...

Après quoi je mourrais,

Et mes plumes elles-même se fondraient dans le sol...

Pour avoir trop aimé cette terre,

J'ai souvent les yeux emplis de larmes.

Ai Ts'ing (né en 1910)

Baudelaire

Fri, 25 May 2007 10:33:38 GMT

La loreley

A Jean Sève

A Bacharach il y a avait une sorcière blonde

Qui laissait mourrir d'amour tous les hommes à la ronde

Devant son tribunal l'évêque la fit citer

D'avance il l'absolvit à cause de sa beauté

Ô belle Loreley aux yeux pleins de pierreries

De quel magicien tiens-tu ta sorcellerie

Je suis lasse de vivre et mes yeux sont maudits

Ceux qui m'ont regardée évêque en ont péri

Mes yeux ce sont des flammes et non des pierreries

Jetez jetez aux flammes cette sorcellerie

Je flambe dans ces flammes ô belle Lorekey

Qu'un autre te condamne tu m'as ensorcelé

Evêque vous riez Priez plutôt pour moi la Vierge

Faites-moi donc mourrir et que Dieu vous protège

Mon amant est parti pour un pays lointain

Faites-moi donc mourrir puisque je n'aime rien

Mon coeur me fait si mal depuis qu'il n'est plus là

Si je me regardais il faudrait que j'en meure

Mon coeur me fait si mal depuis qu'il n'est plus là

Mon coeur me fit si mal du jour où il s'en alla

L'évêque fit venir trois chevaliers avec leurs lances

Menez jusqu'au couvent cette femme en démence

Va-t'en Lore en folie va Lore aux yeux tremblants

Tu seras une nonne vêtue de noir et blanc

Puis ils s'en allèrent sur les routes tous les quatre

LA Loreley les implorait et ses yeux brillaient comme des astres

Chevaliers laissez-moi monter sur ce rocher si haut

Pour voir une fois encore mon beau château

Pour me mirer une fois encore dans le fleuve

Puis j'irai au couvent des vierges et des veuves

Là-haut le vent tordait ses cheveux déroulés

Les chevaliers criaient Loreley Loreley

Tout là-bas sur le Rhin s'en vient une nacelle

Et mon amant s'y tient il m'a vue il m'appelle

Mon coeur devient si doux c'est mon amant qui vient

Elle se penche alors et tombe dans le Rhin

Pour avoir vu dans l'eau la belle Loreley

Ses yeux couleur de Rhin ses cheveux de soleil

Alcools

La questin de la jubilation de la pratique artistique de Henri CUECO

Fri, 20 Apr 2007 12:16:23 GMT

bonjour vous tous, voici un petit texte très bien écrit pour tous ceux qui se posent des questions sur notre devenir en tant qu'artiste...

>Julia

La question de la jubilation de la pratique artistique
Intervention d’Henri Cueco

Texte transcrit par Agnès-C. Boutet, formatrice et coordinatrice de la Formation continue, IUFM de Versailles.

Le 16 novembre 2000, Gilbert Lascault et Henri Cueco ont dialogué en complicité sur la question de la jubilation de la pratique artistique. Henri Cueco a accepté de relire et de corriger la transcription de son intervention.
Qu’il soit infiniment remercié de cette brillante contribution au travail de formation mené dans le cadre de la formation de formateurs à l’IUFM de l’Académie de Versailles.

[...]

H. Cueco :
On se soigne par le travail, par les rituels qu’il impose, par déplacement des angoisses en provoquant dans les œuvres une objectivation des drames à dénouer, en limitant aussi aux dimensions de l’œuvre et de sa forme l’énigme à résoudre.

Je voudrais répondre (à propos de mon travail que Gilbert Lascault a cité : Les feuilles dans la prairie) sur la question de l’habileté, cette habileté qui s’oppose peut-être à la jubilation.

J’ai été éduqué par mon père qui avait fait les Beaux-arts à Valencia en Espagne et la seule éducation que l’on connaissait à l’époque pour cet enseignement était de développer un savoir-faire, une virtuosité par rapport à des modèles préexistant aux œuvres. Ça n’était pas une attitude très moderne. Je suis né avec cette possibilité d’être précis, d’avoir la souplesse des mains dont parle Shitao, mais une part de mon travail a toujours été de renoncer à cette habilité, de la dissimuler.
Gilbert Lascault parlait de feuilles, tout à l’heure… Il y a un certain nombre d’œuvres dans lesquelles j’ai peint les feuilles. Peindre des tas de feuilles me plaisait beaucoup parce que ça ressemblait à des tombeaux. Parfois j’ai mis le feu aux tas de feuilles et j’ai fait intervenir la fumée qui dissimulait les choses, une sorte de brume transparente. Il y avait un grand plaisir à voir disparaître tout le travail qui avait été fait, à l’effacer

J’ai souvent travaillé par effacement ou par fragmentation de ce que je donnais à voir pour ne pas avoir une vision continue de l’objet peint. C’est ma manière de réagir par rapport à l’habileté. Gilbert Lascault parle de Malaval. Chez lui il s’agit de la faculté qu’il a de réaliser ce qu’il a envie de faire, sa faculté de prendre de la peinture et de la manipuler, de la triturer c’est son habileté. Mais l’habileté c’est souvent pour les peintres une façon de remplir les vides, de dissimuler le fait qu’il n’y a pas d’émotion, c’est une sorte de remplissage.

C’est intéressant dans une consigne pédagogique de provoquer des situations où l’on développe l’habileté tout en indiquant la nécessité d’y renoncer.
Dans ce renoncement à l’habileté, dans l’effacement il y a des choses intéressantes à trouver. J’ai connu Malaval, un homme très agréable dans ses relations. La violence de son travail qui m’a souvent fasciné s’épuise pour moi à la vitesse à laquelle elle a été réalisée. Je ne suis pas indifférent à Pollock, à Malaval, mais pour moi ça s’épuise assez vite et en effet, je passe…. Certes, l’image du surgissement dont il use dans sa peinture peut « engager le désir » et cette stratégie se trouve dans toute la peinture du siècle. L’énigme à résoudre a joué souvent sur la frustration. On le voit très bien quand on va vers des œuvres comme celle de Cage en musique. Il suffit en effet d’engager par elles ce désir d’aller au-delà de ce qui est entendu sans l’épuiser, c’est une façon de donner une fonction au spectateur. Il y a des œuvres qui offrent plus ou moins de place au regardeur.
...

Je me souviens avoir visité la collection Barnes avec des élèves de l’E.n.s.b.a. au musée d’Orsay ; il y avait entre autres choses frappantes le passage de Renoir à Cézanne.
Cézanne se vivait comme un « mauvais réalisateur », Renoir hélas, en fonction de... certaines commandes, comme un « bon réalisateur-bon finisseur » et l’on sentait aussi chez Renoir une forme de sensualité qui se gratifiait elle même. Quand il voyait par exemple une nourrice accorte tenant un bébé, manifestement, c’était la nourrice qui intéressait Renoir. Il jouissait à son compte, il vous conviait à un repas dont il avait déjà en grande partie consommé la substance. Par contre, lorsqu’on voyait Cézanne, un peu plus loin, d’un seul coup d’œil, on s’apercevait qu’on avait affaire à une sorte d’énergie précontrainte, à des tensions ni libérées, ni évacuées. On se trouvait face à des œuvres intenses et mystérieuses qui vous laissaient paradoxalement infiniment libre de les vivre et de se réjouir par elles.
La jouissance de Renoir c’est la consommation, l’épuisement, le chocolat sucré ou tout ce qu’on peut imaginer comme équivalence ; la jouissance de Cézanne s’apparente beaucoup plus à une attitude mystique de renoncement à tout clarifier, pour privilégier une part du mystère, créer des tensions sans les résoudre. Je pense que la postérité de Cézanne est plus importante que celle de Renoir.
Dans la même exposition, il y avait une très belle toile de Matisse, La leçon de musique (musique de Haydn). On voyait apparaître chez Matisse une autre manière d’éprouver une jouissance. Matisse est un homme qui a commencé à développer une habileté prodigieuse qu’on voit dans ses dessins. Des enroulements d’un seul trait qui enserrent des formes avec lesquelles il s’est piégé lui-même. Lorsqu’il veut faire intervenir la couleur à son maximum d’efficience, elle est prise alors à l’intérieur de ce cerne, elle est bloquée par le dessin lui-même. Matisse invente alors la « faute de dessin, il se met exprès « à dessiner mal » et ce « mal dessiné » exige une sorte de compensation qui se produit par la couleur pure. Le dessin libéré s’ouvre à l’effusion chromatique enserrée dans le dessin en débordant de lui.

Je me souviens avoir entendu une interview de Marcel Duchamp qui parlait de la jouissance au travail ; il disait — je cite de mémoire — : « C’est très bien quand les gens jouissent en travaillant, tant mieux pour eux, mais ça n’est pas pour autant que l’œuvre sera sujet de jouissance pour les autres. Cela n’a rien à voir ». On peut voir des œuvres qui ont été réalisées douloureusement et qui produisent de la jubilation.

J’ai repensé aussi, lorsque je parlais un jour de cette jubilation à Léonardo Cremonini qui analysait ce qui était arrivé à une de ses œuvres. Un vandale pervers avait enlevé d’une toile un fragment qui représentait un sexe masculin. Cremonini disait qu’il avait fait un travail de caractère érotique qui consistait à engager un autre à jouir avec lui tandis qu’au contraire celui qui avait isolé le sexe et l’avait découpé avait pratiqué un acte pornographique. Isoler le sexe de son contexte était d’ordre pornographique puisque l’idée d’érotisme dans l’œuvre était d’engager la jouissance de l’autre représenté dans la toile et de permettre l’identification de celui qui regarde à l’érotisme de l’œuvre entière.

La jubilation la plus courante et la plus connue est celle qu’on obtient d’une manière répétitive, d’une manière non investie, c’est-à-dire qui n’engage pas l’autre, qui ne se soucie pas de formaliser et de voir comment cela peut être perçu et qui se rapproche d’une activité masturbatoire. Plus facile, la masturbation, que l’érotisme, camarades ! Même pour l’activité révolutionnaire, d’ailleurs !

...

Pour la rature et la suppression, je prendrai comme exemple un carnet de Joyce à la National Gallery de Londres qui m’avait beaucoup ému. Il était rempli de notes et chacune était raturée, peut être parce qu’au fur et à mesure qu’il utilisait ces notes par ailleurs, il les rayait. Faire un acte pictural et scriptural me fascine. Ça se rapproche de Flaubert. Lisez, lisez la première page de Madame Bovary. Flaubert procédait par abondance et puis par suppression inlassable. Il demeure alors un texte d’une limpidité formidable et d’une grande efficacité. On n’arrive pas à comprendre pourquoi quand il décrit quelques maisons dans le paysage ce paysage est présent, précis, riche de tout ce qui a été supprimé. C’est ça la force de Flaubert, c’est le grand mystère ; ça n’y est pas, il l’a enlevé et c’est très présent. Voilà un travail qui a ouvert à la modernité en général.

Giacometti c’est encore une autre manière de jouir. Giacometti a compris que quand on regarde un objet pour en rendre compte on peut utiliser les procédures qu’on trouve dans l’histoire de l’art.
Le trait marque la limite de l’objet. Si je dessine ma main, c’est la limite de ma main avec le fond contre lequel elle se détache ; mais quand je regarde ma main je ne vois pas le trait en question, c’est une fiction. Puisqu’il n’y a pas de trait, il existe une seconde fiction, qui est de traiter le dessin par la lumière, par l’apparition de la lumière et des ombres ; un travail en valeurs. Lorsque Giacometti se confronte à ce travail de dessin-peinture, en dessinant un portrait ou une nature morte, il est embarrassé. Il ne sait pas si ce qu’il capte appartient à l’objet ou au fond. Alors il met ses petites « aiguilles » sur la limite, et le paradoxe de ces petits traits est qu’ils produisent une sorte de milieu écologique pour son portrait ou son objet, c’est-à-dire de milieu dans lequel le portrait va vivre et respirer.
Cette zone de passage entre l’objet et le fond va faire exister l’air, le temps, la persistance rétinienne… Le passage par ces traits accumulés sur la limite entre le visage et le fond est une frontière effacée par l’abondance du travail.

Il y a souvent des contradictions violentes chez les peintres que j’ai cités. Chez Matisse, chez Cézanne, d’une autre façon. C’est dans cette sorte d’impossibilité à résoudre quelque chose — qui est un débat et un combat — que naît une dramaturgie d’où l’on peut voir surgir des solutions importantes. C’est là que je situe la jouissance.

La jubilation, je l’ai rencontrée d’une tout autre façon dans mon existence de peintre, lorsqu’on a fait le travail de groupe avec les Malassis, la Coopérative des Malassis.
On avait alors la volonté de se situer dans un art à dimension politique, donc il fallait essayer de définir dans quelle temporalité on se situait… On était soit du côté de l’affiche, soit de la peinture. La jouissance venait souvent du sentiment qu’on avait de provoquer, peut-être de faire une blague. Nous vivions par le « contrôle » du groupe une forme d’anticipation sur la manière dont ça allait être reçu. Lorsqu’on montrait l’apparition de la Ve République, le coup de force de mai 58 dans Le Grand Méchoui (une sorte de fable avec des moutons qui passent sous l’arc de triomphe) on savait que ça allait « foutre le bordel » ! C’était en ces termes qu’on le disait. Quand on l’a montré dans l’exposition de 72 cela a mis un désordre extraordinaire ! L’idée, c’était « d’emmerder le monde », et en même temps de faire surgir des tensions.
Je me souviens d’une année assez stérile où l’on passait son temps à se demander comment « nuire » ! Nous ne voulions pas — à l’image du Pop Art — célébrer la société de consommation. Nous subissions une société qui vivait des craquements, des changements visibles.
Nous ne pouvions pas nous situer dans la célébration, même si nous empruntions à la forme du Pop Art.
Notre travail se vivait comme une participation à l’histoire ; d’ailleurs nous disions à l’époque que nous voulions « sortir de l’histoire de l’art pour entrer dans l’Histoire tout court ». Il y avait pour nous une cohérence entre cette nuisance et l’idée qu’il y avait une « révolution » à faire. On ne savait pas très bien laquelle, même si certains d’entre nous étaient engagés à l’époque. Ce groupe était étonnant par ses dissemblances, nos manières de voir les choses. On s’engueulait énormément, certains buvaient beaucoup, mais la grande réjouissance commune c’était qu’on emmerdait le monde. Cela avait une prise sur les événements, la prise était telle que le décrochage des œuvres dans l’expo dite « exposition Pompidou » en 72 a failli mettre le gouvernement en l’air !
Nous amenions des formes de dynamite. Ce n’était pas gratuit, il y avait l’idée qu’il fallait contraindre les institutions à accepter la liberté absolue de critique qui existait déjà dans d’autres pays européens mais pas en France. (Nous avions été victime de censure dans l’affaire Gabrielle Russier).
Notre décrochage fut un très beau happening. Toute la presse internationale était là. Je me souviens avoir lu à haute voix une proclamation sur une feuille blanche ! On n’avait pas eu le temps de l’écrire. Voilà des formes de jouissance… Se placer au cœur de l’action politique avec un culot d’artiste. Mais est-ce de l’art ?

Au XIXe siècle, il existait aux Beaux-arts un apprentissage fait de formules, de règles qu’il fallait connaître et auxquelles il fallait se conformer. L’œuvre d’art devait épouser un certain nombre de canons qui préexistaient à son élaboration.
Avec la modernité, ces canons ont progressivement disparu ou ont été remis en question. La règle du jeu est créée par l’artiste lui- même à l’intérieur de son œuvre. les Fauves, par l’exaltation de la couleur, rendent compte de la vie à leur époque plus intensément qu’on ne le faisait avec les formulations scolaires. Cela va se produire constamment dans le XXe siècle et là, il y a une forme de jubilation pour ceux qui inventent.
C’est passionnant pour le fauvisme, mais cela ne dure pas longtemps. L’embrasement de la couleur est d’ailleurs une fiction. Le soleil n’exalte pas les couleurs, il les éteint : c’est gris le midi.
L’attitude des fauves est purement picturale ; c’est une fiction destructive compensée par une exaltation, et puis cela disparaît parce que la nécessité de reconstruire les formes écrasées par la couleur pure apparaît avec des peintres comme Braque, et cela va produire le Cubisme.

Je pense à d’autres apparitions et à la jouissance qu’a dû éprouver Manet en faisant Le Déjeuner sur l’herbe, ou Olympia. C’est compliqué à expliquer, aujourd’hui, le scandale provoqué par ces œuvres. Manet sait très bien peindre, mais il renonce à sa virtuosité ; il peint des sujets qui vont contre les symbolisations de l’époque ; c’est un « traître » qui détruit l’idée d’allégorie, de sublimation. Il traite un sujet dit allégorique et puis il le rend trivial : trois étudiants avec une femme nue (deux en réalité), pas forcément très belle, inspirée de Titien. Il va provoquer en prenant appui sur des attentes liées à l’histoire de l’art et en allant contre elles.
On comprend mieux en regardant à Orsay « Les Romains de la décadence » de Thomas Couture (professeur de Manet), fabuleux artiste dans ses esquisses au musée de Beauvais. On retrouve la disparité des apprentissages dans l’œuvre ; elle est constamment désarticulée ; il faut mettre ensemble ces choses : objets, corps, architectures apprises séparément à l’école.
Quand on regarde L’asperge ou certaines natures mortes de Manet, c’est au contraire l’unification en un seul geste, presque un geste physique, geste de peintre, de peinture pure réalisée en un seul mouvement. C’est Pollock avant l’heure. Il renonce aux apprentissages d’atelier, il renonce au thème, aux allégories et cela va faire scandale.

Quand on regarde La mort de Sardanapale de Delacroix, il y a une sorte de panoplie d’allégories effondrées — un antiquaire qui aurait fait faillite — et là aussi c’est une peinture scandaleuse. J’ai fait sur ce tableau un travail précis ; je m’étais posé beaucoup de questions sur le corps de la femme qui va se faire égorger. On reprochait à Delacroix de l’avoir mal dessinée, de lui avoir fait un buste trop court, des formes un peu bizarres — cette femme est à la fois de biais et de profil —. Elle est sans doute déformée. Lorsqu’on regarde de près la manière dont c’est peint, on s’aperçoit que la limite du corps est floue sur presque tout son trajet mais qu’à un endroit, il a su faire ce que la photographie a amené, c’est-à-dire une focalisation. Et puis il y a autre chose d’étrange : une des jambes est manifestement un peu courte. Il fallait la rallonger, la recommencer ; mais recommencer c’est perdre le geste — qui existe chez Delacroix aussi et permet de rassembler en une unité gestuelle et rythmique ce qu’il a conçu — et, en rallongeant cette jambe, risquer de toucher le bord du tableau et d’empêcher ce tournoiement de fonctionner. Delacroix ajoute la sandale et cette sandale rallonge la jambe, elle est rose à l’intérieur et provoque un effet érotique, fait basculer complètement le sens de la toile. C’est un détail à partir d’un raisonnement de peintre, ça se fait « tout seul », sans passer par une pensée articulée.

Ce qui est important dans une lecture de la peinture c’est de retrouver ces « raisonnements de peintre » qui ne passent pas par la parole ou par les mots, qui sont souvent des attitudes physiques, des renoncements ou des acceptations, qui produisent un plaisir intense.

Je vais prendre un exemple de délectation dans mon propre travail.
Je voulais essayer de peindre un objet simple. Je souhaitais réaliser le portrait d’une pomme de terre.
Aujourd’hui on ne se met plus face à un objet pour le dessiner ou le peindre, on fait de la peinture en partant de l’histoire de l’art.
J’ai placé une pomme de terre sur mon bureau et j’ai fait 180 petits tableaux que j’ai appelé des portraits de pomme de terre. J’ai travaillé comme une bête ces tous petits, très petits tableaux en essayant d’ « aller le plus loin possible » mais sans savoir ce que cela signifie. Je ne le sais pas plus aujourd’hui, parce que ça se passait entre la nécessité de rendre compte de ce que je voyais et la volonté ne pas me laisser enfermer dans un piège dix-neuvièmiste. En essayant aussi de ne pas utiliser le trompe-l’œil. J’ai passé un an et demi à ce travail, en éprouvant de temps en temps un plaisir manifeste mais aussi une difficulté telle que j’ai dû écrire un livre en même temps dans lequel j’ai raconté au jour le jour — Journal d’une pomme de terre -— l’expérience de ce rapport à un objet banal.
Au final, je suis plutôt content de ce travail que je peux appeler « Comment réussir à ne peindre une pomme de terre ».
Je disais souvent à mes élèves : quand vous vous battez pour surmonter une difficulté, quand ça résiste, quand il y a crise, si vous vous confrontez au réel, j’espère qu’on trouvera dans votre travail les traces de cette bataille perdue.

Ce combat sous une autre forme, en un autre temps se voit dans Les demoiselles d’Avignon. Picasso commence à transformer les traces cézaniennes de son point de départ en faisant référence aux Ibères, à l’art nègre… Il se retrouve un jour dans son atelier avec une toile composite qu’il doit apprendre à voir, qu’il garde et qui se terminera toute seule. C’est de cette disparité, de ces éclats qui se sont produits dans cette peinture évolutive à jamais ratée mais porteuse d’une énergie fantastique que va se déterminer le travail de Picasso. Il va devenir un peintre qui saura articuler des décalages, des différences, des contradictions. Il ne se croira pas obligé comme dans la peinture classique de réduire son œuvre à une unité formelle, et voilà une toile « ratée » qui deviendra une œuvre majeure du début du siècle.

Et quand on regarde les différentes peintures qui ont été faites par Matisse pour le commanditaire Barnes, la première est bien intégrable à l’architecture mais Matisse s’est trompé dans les dimensions ; la deuxième est un peu rigide, fermée et la troisième est ouverte avec une quantité de solutions plastiques envisagées. Elle est en avance sur Matisse et Matisse ne la rattrapera peut-être jamais. Il l’a abandonnée dans un garage où on l’a retrouvée. Éloge donc de la rature qui va pour moi, jusqu’à l’éloge du ratage. Et la jubilation qui s’en suit

Dans mon expérience d’enseignant aux Beaux-arts, c’était les élèves qui apportaient leur travail. L’idée était de leur montrer ce que je percevais de leur travail par rapport à leurs intentions. Pourquoi ça marche ici et pas là.
Ce que j’ai vécu et qui m’a paru être une attitude dangereuse et stérilisante c’est qu’on est passé de la sous-information de l’enseignement général à la surinformation, sans tenir compte de la singularité de l’élève.
Parfois l’élève qu’on envoyait aux Beaux-arts ou qui avait sélectionné les Arts plastiques avait tout raté ailleurs… mais savait faire de jolis dessins, des mickeys, des machins qu’il copiait dans des livres. Il arrivait aux « Arts plastiques » sur ces malentendus. À la limite, pourquoi pas, si on se souvient de Cézanne et de son ami Zola. Il y en a un qui faisait de jolis vers de Mirliton, c’est Cézanne ! Doué pour l’écriture, et puis aux dires de Zola nul pour le dessin.

Mais précisément c’est à partir de cette « nullité », de cette difficulté à re-présenter que Cézanne a trouvé des formulations singulières. Il faut aider l’élève à se diriger par rapport à cette première situation d’échec, et l’on ne peut pas toujours partir de son seul travail parce qu’il risque de s’épuiser sur place.

Le plus émouvant, le plus jubilant pour un enseignant, c’est quand il voit se produire une transformation importante. À l’école des Beaux-arts, c’est fréquent au bout de la 2e ou de la 3e année. Il se passe alors quelque chose pour l’élève. Il y a eu maturation. Il a compris quelque chose, il éprouve un plaisir à travailler et il le dit. Il y a une cohérence dans ce qu’il fait, c’est le début d’une œuvre possible. Alors là si le terrain n’a pas été préparé, s’il ne sait rien, s’il n’est pas capable de comprendre lui-même ce qu’il fabrique le beau résultat s’étiole, c’est cela la professionnalité, le passage : la prise de conscience. Si un enfant ou un élève fait de beaux dessins et ne les refait plus par la suite c’est qu’il n’a pas évolué vers une prise de conscience de ce qu’il fait.

L’enseignement c’est aussi en même temps qu’une quête de fraîcheur une prise de conscience de ce que l’on fait, mais il y a le risque de faire disparaître ce qu’il pouvait y avoir d’impulsif et d’immédiat. Il n’y a pas de bonne méthode, on est sans arrêt confronté à des pièges. S’il y a passion, passion de la part de l’enseignant et de l’élève tout est possible.
Le grave danger aujourd’hui c’est la surinformation, le gavage qui vont contre la passion. Quand on bouscule tous les quatre matins les références artistiques en fonction des expositions, des artistes visiteurs, des revues, des livres, quand on bouscule sans arrêt l’élève, il arrive un beau jour qu’il perde ce qu’il y a de singulier dans son regard.
J’ai beaucoup emmené les élèves devant des œuvres, au Louvre. Choisir une œuvre et faire partager votre passion en essayant de justifier votre choix, en montrant des traits objectifs… ! Dans une peinture de Gros, une bataille où il y a des cadavres, des soldats blessés allongés, où il y a une peinture très enlevée, on s’aperçoit tout à coup que les ceinturons des soldats sont tous peints en trompe l’œil, avec la petite allégorie soignée qu’il y a dessus, un aigle, un motif ornemental… C’est hors geste. Les élèves comprennent alors ce qu’est un geste qui rentre dans le jeu de la dramaturgie ou qui n’y rentre pas.

Ce sont les élèves eux-mêmes qui trouvent parfois devant les œuvres ces « solutions de peintres ». J’étais émerveillé par leur manière de trouver, de commenter. En Hollande, un élève (à qui j’avais montré que chez Vermeer il y avait une structure géométrique qu’on pouvait isoler, dessiner, une ossature de type Mondrian) m’a dit « ça ne marche pas ce que vous nous racontez, parce que ce n’est ni tout à fait vertical ni tout à fait horizontal ». J’ai compris alors qu’au contraire d’une structure rigide ça fonctionnait parce que c’était monté comme une chaise ancienne ; ce n’étaient pas des articulations bloquées. Les articulations fixées, vous vous asseyez dessus et quand vous avez pris un peu de poids la chaise casse. Et puis vous prenez ces vieilles chaises qui sont montées avec des articulations souples et la chaise bouge et encaisse les poids par ses articulations.
L’élève avait trouvé ça dans Vermeer ; c’était beaucoup plus intéressant que la rigidité parce que l’œil utilisait cette souplesse articulaire. C’est un élève qui avait trouvé cela et j’étais heureux. Voilà un exemple de jubilation d’un enseignant !

Faire avec, pousser jusqu’à l’absurde la contrainte lorsqu’elle est énoncée comme telle… Faire la grève du zèle ! Mais l’idée qui doit dominer l’activité artistique — on est quelquefois soumis à la commande — c’est la réponse à côté ! Pour qu’il y ait œuvre, il faut qu’il y ait réponse à côté, réponse pertinente mais réponse libre.
Les inspecteurs, il ne faut pas hésiter à les contrer ! C’est un bon dialogue que de dire les problèmes que posent certaines contraintes.
Dans les nouveaux programmes on doit avoir envie de revenir à des fondamentaux, comme on le dit au rugby. Si par exemple on demandait aux différents professeurs d’enseigner le dessin à leur manière, chacun apportant ses exercices et les justifiant, ce ne serait pas l’enseignement du dessin (comme s’il y avait de nouveau un modèle) mais des façons de dessiner.

Il n’y a pas de réalisme, il y a des réalismes. Si le réalisme existe, une manière idéale et définitive de représenter le réel, ça revient à dire que Dieu existe et qu’il y a un modèle idéal quelque part. C’est sans arrêt une question qui se pose, qui se renouvelle. Il ne peut y avoir que des réalismes, et quand je dis « réalismes » ce n’est pas pour l’opposer à « abstractions ». C’est le rapport à la réalité (qui peut exister dans une œuvre abstraite, dans une œuvre de quelque forme qu’elle soit), une nécessité par rapport à un vécu. « Répondre à côté » me paraît être une chose qu’il faudrait écrire dans son atelier. D’ailleurs, je réponds toujours à côté (c’est ce que j’ai fait tout ce matin, vous en êtes vous rendu compte !).

Quand la peinture est finie, quand on ne peut plus dénouer quelque chose on la tourne contre le mur, on la montre dans une exposition, on est surpris ou déçu.
Quand la peinture n’est plus en chantier, on en a fait le deuil et c’est la nouvelle conquête qui est importante. « Accoucher » c’est l’exposition ; c’est la grande récompense ; c’est devenir sous le regard des autres. Cela fait exister.

L’art d’une manière générale est une activité sociale. La mise en forme est la faculté donnée aux autres de reconstituer l’échelle des contraintes et des choix qui ont été fait par l’artiste, c’est-à-dire le « langage ». Langage qui ne dit rien mais fonctionne sur l’économie des signes que l’on trouve dans l’étude des langues ; c’est pour cela que l’on parle de langage. Il y a économie de signes et articulation des signes entre eux, des formes d’alphabets sur un espace défini.

Espoir et rupture

Wed, 21 Mar 2007 12:19:34 GMT

Ces chansons pas mal écrites, je trouve, peuvent résumer une vie.... et puis la musique gère aussi tout à fait.

Le premier qui me dit que ça a un rapport avec ma situation présente je te le .... pas de jugement facile svp !

Mano Solo

Moi j'y crois

"Les Animals"

Toutes ces conneries qu'on raconte sur l'amour
Toutes ces sornettes comme quoi ça fait du bien
Il paraît même que c'est l' propre des humains
Il paraît qu' ça rend heureux, qu'on a rien trouvé d'mieux

Et moi j'y crois
Quand j' te vois
En face de moi
Que ma tête me crie tout bas
"Embrasse la! Embrasse la!"
Et moi j'y crois
Embrasse moi!

Il paraît qu' l'amour, ça t'aide quand t'es triste
Il paraît même que ça rend complices
Il paraît qu' ça fait des trucs profonds
Qu'on efface pas d'un coup d' torchon
Que ça va même jusqu'à la passion
Que des fois ça fait mal mais y'a qu'ça qu'est bon
Il paraît qu' l'amour, ça change tous les jours
Que tu l' croies mort, et même il bande encore

Et moi j'y crois
Quand j'te vois
En face de moi
Que ma tête me crie tout bas
"Embrasse la! Embrasse la!"
Et moi j'y crois
Embrasse moi!

Mais j'ai vu un gars, dans un bistrot
Un peu tristounet, et tout pâlot
Qui m'a dit qu'un coeur pouvait battre si fort
Que d'un coup il s'arrache de son corps
Et il t'laisse là sur le bitume
Empli de vide et d'amertume

Il paraît qu'l'amour, c'est un truc dangereux
Que ça va faire chialer tes jolis p'tits yeux
Il paraît même que ça fout la fièvre
Il paraît qu'y'en a certains, y'en a certains qu'en crèvent

Mais moi j'y crois
Quand j'te vois
En face de moi
Que ma tête me crie tout bas
"Embrasse la! Embrasse la!"
Et moi j'y crois
Embrasse moi!

Olivia Ruiz

De toi à Moi II

(album LA femme Chocolat)

Pour cette drôle de barque qu’un jour nous avons prise
Ne croyant plus qu’en nous et en nos lois habilles
Toi et moi qui embarque quittant la terre promise
Dont les amours se nouent en un destin fragile
Pour ce drôle de navire qui fut notre refuge
Où nos corps bousculés se croyaient immortels
Nous attendant au pire affrontant les déluges
Nos joies miraculées de cris antes éternels

Je te quitte

Pour les subtiles nuances de nos doutes éclairés
Le serment de nos cœurs et nos routes bohémiennes
Pour nos belles divergences et nos complexités
Pour l’infini bonheur de ta peau sur la mienne
Pour toutes nos expériences savamment excitées
Nos fumés et nos cames, nos jeux électrisants
Pour notre adolescence qu’ensemble on a quitté
Pour l’homme et pour la femme que nous sommes à présent

Je te quitte

Pour nos puissantes querelles qui nous brûlèrent les ailes
Nos tendresses officielles et nos fuites instinctives
Pour ces instants mortels de vrai bonheur bordel !
A contempler le ciel claquant d’étoiles furtives
Pour ce grand firmament patiemment dessiné
Et pour ce ciel vivant où nous nous sommes planqués
Pour les nombreux tourments si souvent contournés
Et pour tous les suivants où tu vas me manquer

Je te quitte
Je te quitte

oeuvres de Virginia Woolf

Tue, 02 May 2006 22:23:30 GMT

Oeuvres de Virginia Woolf
La traversée des apparences (The Voyage Out, 1915)
The mark on the wall, Kew Gardens (nouvelles, 1917)
Nuit et jour (Night and Day, 1919).
La chambre de Jacob (Jacob's room, 1922), écrit en 1920
Mrs Dalloway (1925)
La promenade au phare (To the Lighthouse, 1927)
Orlando (1928)
Une chambre à soi (A room of one's own, 1929)
Les vagues (The Waves, 1931)
Trois guinées (Three Guineas, 1938)

(il manque ses essais et ses nouvelles je vous les trouverais)

pour lire La chambre de Jacob, un de ses roman on line en anglais (ya pas grand chose en français sur le web )http://www.online-literature.com/virginia_woolf/jacob-room/

Et miracle LEs vagues en anglais disponible sur le web :D C'est le premier livre que jai lu de V W, et il est fabuleux, il raconte les méandres de la pensée humaine à travers la vie d'une bande d'amis avec leur rancune, leur amour etc.... merveilleusement écrit...

http://etext.library.adelaide.edu.au/w/woolf/virginia/w91w/section1.html

Nouvelle de Virginia WOOLF "blue and green"

Tue, 02 May 2006 22:15:30 GMT

GREEN
THE POINTED FINGERS of glass hang downwards. The light slides down the glass, and drops a pool of green. All day long the ten fingers of the lustre drop green upon the marble. The feathers of parakeetstheir harsh criessharp blades of palm treesgreen, too; green needles glittering in the sun. But the hard glass drips on to the marble; the pools hover above the desert sand; the camels lurch through them; the pools settle on the marble; rushes edge them; weeds clog them; here and there a white blossom; the frog flops over; at night the stars are set there unbroken. Evening comes, and the shadow sweeps the green over the mantlepiece; the ruffled surface of ocean. No ships come; the aimless waves sway beneath the empty sky. It's night; the needles drip blots of blue. The green's out.

BLUE
The snub-nosed monster rises to the surface and spouts through his blunt nostrils two columns of water, which, fiery-white in the centre, spray off into a fringe of blue beads. Strokes of blue line the black tarpaulin of his hide. Slushing the water through mouth and nostrils he sings, heavy with water, and the blue closes over him dowsing the polished pebbles of his eyes. Thrown upon the beach he lies, blunt, obtuse, shedding dry blue scales. Their metallic blue stains the rusty iron on the beach. Blue are the ribs of the wrecked rowing boat. A wave rolls beneath the blue bells. But the cathedral's different, cold, incense laden, faint blue with the veils of madonnas.

Virginia Woolf : une grande écrivaine...

Mon, 01 May 2006 09:38:00 GMT

je sais que beaucoup d'entres vous savent déjà ce que je pense du travail de Virginia Woolf que j'ai lu grâce à ma soeur Mélanie.... mais tout de même je souhaite vous montrer quelques essais, quelques extraits de son travail...

Ici extrait d' Une chambre à soi , conférence sur le féminisme qu'elle fit aux étudiantes de l'université de Cambridge

Très bon essai sur les livres et ce qui s'y reflète de la société...

(...)Il suffit d'entrer dans n'importe quelle chambre de n'importe quelle rue pour que se jette à votre face toute cette force extrèmement complexe de la féminité. Comment pourrait-il en être autrement? Car les femmes sont restées assises à l'intérieur de leurs maisons pendant des millions d'années, si bien qu'à présent les murs mêmes sont imprégnés de leur force créatrice ; et cette force créatrice surcharge à ce point la capacité des briques et du mortier qu'il lui faut maintenant trouver autre chose, se harnarcher de plumes, de pinceaux, d'affaires et de politique. Mais ce pouvoir créateur des femmes est très différent du pouvoir créateur des hommes. Et l'on est obligé de conclure qu'il serait infiniment regrettable qu'il se trouvât entravé ou gaspillé, car il a été gagné par des siècles de la discipline la plus rigoureuse et rien n'existe qui puisse prendre sa place. Il serait infiniment regrettable que les femmes écrivissent comme les hommes, car si deux sexes sont tout à fait insuffisants quand on songe à la diversité du monde, comment nous en tirerions-nous avec un seul? »